傅聪先生大师班听课笔记

Original 朱元贞、范民娟 钢琴艺术杂志 5/1

 

 

朱元贞：傅聪先生因“新冠肺炎”溘然长逝，令我十分痛惜。从1980年起，傅聪先生经常到上海音乐学院讲学、上大师班课，并给本科、附中、附小的学生上课。二三十年来，我和上音附中同班同学、附小老师范民娟，曾有幸多次听傅聪先生的大师课，每每都感觉他对学生的点评精湛生动，常如拨云见日，深受触动，一直就想合作把听课笔记整理出来，以助教学。我们花了不少时间将两人数年的听课笔记逐条疏理、归类，谁知到最后一步时，民娟因病去世，此事也就搁浅了。傅聪先生仙逝，触发了我将整理笔记之事继续的决心，既完成未尽之愿，也是对傅聪先生精心教诲的一种汇报，同时也希望这一笔记能让更多的人受益。

 

音乐的处理

1. 处理音乐是非常神圣的事儿，要认真对待每一个音，没有一个音不是作曲家经过考虑的。音乐是虚虚实实、近近远远、上上下下的，在虚实中交错进行。所以，所有的音演奏出来都要动过脑筋，才能享受音乐和乐趣。

2. 用语言来描绘音乐是很难的，音乐不能太具体。趣味是一种才能，是才能中很重要的部分。作为艺术家，趣味格调是不可或缺的。它不光是美学，还包括意境。中国人很讲究趣味格调，《水浒传》《三国演义》《红楼梦》，以及京剧等都富含趣味，多看看对感受音乐会有很大帮助。艺术个性的出发点是对艺术的忠实，艺术个性可遇而不可求。真正的艺术不能全归结为技术问题，艺术需要技术，但艺术高于技术。手指飞快，并不一定比手指会“说话”好。

3. 听课最重要的不是听这里要轻、那里要响，而是要理解什么重要？为什么重要？最重要的是找出音乐本身追求什么境界。要学会举一反三，培养独立思考的能力，一定要能自己解释为什么要这样弹。学生光凭感觉、凭自己的乐感弹是不够的、靠不住的，这还没有真正进入音乐。对音乐要有整体的追求，不能只停留于表面和单旋律，对和声没有真正体会、理解，就不是真正懂音乐。要重视作品的内涵，看作品在说什么，要先研究音乐本身，研究谱子，仔细分析谱面结构，看和声、不同声部线条的走向，不断研究并说出、说清道理，不断找到新的感觉。作曲家的作品往往是变化无穷的，而坏的版本就给“熨平”了，要找出曲子中不一样的地方，还要讲得出为什么变化的道理。谱子上有很多微妙之处，要拿放大镜仔细找。只有知道怎么看谱、会问问题、能回答作曲家为什么这样，才能懂音乐，这可以帮助你的音乐张弛变化从而有音乐性。不看谱子先听CD是偷懒、没有思考。等到你自己看得出这个版本好、那个版本不好时，就说明你已经会看谱子和理解音乐了。能看懂谱子、弹奏自己的音乐就是真正的音乐家了。

4. 音乐有各种各样的表现，可以有多种处理：即使主题多次出现，同一句型、类似的句子、同样的音乐旋律，也要作不同处理。不能总重复说一句话，要用不同方式说话，要让人意料不到。贝多芬的作品中有较多相同的音乐素材，处理方式千万不要雷同，要有不同的感情色彩，要把钢琴演奏出很多的乐器、人声来。

5. 音乐要流动，有些地方不要太规矩，可以潇洒些。重要的音要多给点儿，要有时间和空间感，但要平衡，如橡皮筋，拉拉紧紧，松松又回来，又不太拖拉。要灵活，不能死板。

6. 莫扎特的音乐变化无穷、色彩丰富。经常在玩儿把戏、变戏法儿，是“贾宝玉加孙悟空”，高点永远达不到。句子中的最高音不是最响的，常需用飘上去的音色和音量。莫扎特的悲剧是宇宙的悲剧，在极大的悲剧后，一定有非常喜剧的篇章，从最悲到最乐，总是平衡的。

 

Mozart: Piano Sonata No. 14 in C Minor, K. 457: II. Adagio傅聪 - Mozart: Piano Works

 

7. 肖邦的音乐有无穷无尽的微妙变化，非常大气，有傲骨，无论什么时候都有内在的那股劲儿，就是 也有“抖一抖”的感觉，永远不会软绵绵的，不要人为地造作。肖邦的音乐更像说话，说话语气是千叮万嘱，一会儿温柔婉转，一会儿高亢激昂；肖邦的音乐永远没有胜利，总是与敌人同归于尽，如《第二奏鸣曲》中的“葬礼”，是整个波兰乃至全人类的苦难写照；肖邦的渐快有时表现为挣扎。

8. 德彪西的谱子写得很仔细，照他写的做，基本上就达到要求。他的旋律上行时要轻下来，下行往往是响起来。音少的小节表情要多一点儿，音多的小节则相反。德彪西的音乐，手、脚的功夫，加上耳朵的控制，把钢琴变成没有槌子的乐器。温柔的和弦就像摸猫一般的感觉。

 

乐句

1. 句子要有中心，一个长句子只有一个高点，方向一定要看清，凡是音符都要有方向，左手伴奏也同样有方向。同一个方向时，时间上不要停，旋律要长，不能有棱角，不能有不必要的重音，要会看句子中的骨干音、重要音。肖邦句中的骨干音要有傲气，如徐志摩诗中“浓得化不开”。

2. 句子处理要大气，要长句子，所有的句子要有拱形，要让它多一点儿，大的拱形要多点儿说话的语气，千万不要把句子弹成一个一个音，而要旋律化。

3. 起句永远是重要的，充满了希望，音量要多一点儿，弱起也是如此，肖邦夜曲的开始和结尾都很重要、有魔力，所有的表情都在句子的开始，不在句尾。

4. 句子结尾的原则是：不要在结尾时老是给人“坐下来”的感觉，句子结尾要扬上去，永远往前走，结束也没停止，不要在乐句结束时习惯性地渐慢，不要画蛇添足。肖邦的作品不要有句号，不要有结束的感觉，要有丝的感觉，缠绵不断。每句要有逗号、有呼吸、有空间；声音也要呼吸、要透、不要压，响的声音要扬上去，结束句有多长，要看你的气息有多长。

5. 要非常注意重视分句，分句一定要细，谱子上的分句线一定要照做，要看仔细，马虎不得。凡是有连线的地方一定要分开，手要拿起来，即使是最小的间隙，只有一根头发丝那么一点点，手也要拿起来，这是语气的需要，该分开的不要连，不要懒惰，但内分句后一定要一直走下去，不能断掉，要弹成长句子。手腕的动作大小要看音乐的需要，要与音乐结合，音程大、远距离大跳，时间上要与前后句平衡。

6. 一个句子里只能有一个rit.，两个rit.就太多了，为了做到rit.，可以先往前走一点儿，然后再rit.。

7. 模进句的第一个音要清楚，当成旋律弹，要把音型做出来，一组组地分清楚，新句型的开始也要分清楚，音符组成的任何句型都要交代清楚。

8. 华彩跑动句是一种欢乐的象征，可带有即兴性，自由些，但若心中有节奏点，音乐会更精彩，而不是只有快。快速跑动句要注意句型，不要机械化。

9. 经过句有时可用颗粒性的声音，旋律出现时即用连音，也需要自由些，但千万不要弹成一个一个的音符，时间上不要死板，不能没有节奏、没有比例，心里要享受音乐的乐趣。十六分音符要非常平均，贝多芬音乐中的音阶、琶音也要有音乐性，音符要组合，不能弹成车尔尼式，不要机械化、表面化，要内心歌唱，要有旋律化。

10. 过渡句可以自由些，经过句、过渡句可以自由，但不要忘记趣味性，不要装腔作势。

11. 疑问句不要那么肯定，莫扎特的音乐中，凡有切分音时，常有可能是疑问句。

12.   独白句要注意说话的语气及声音。

13.   半音阶下行常带点儿哭泣的形象。

14.   音乐中有假高点，要仔细地安排分析。

15.   三连音在所有音乐中都是特别有表情的，要平均，有一串三连音的长句子时，第一个三连音可以慢一些。

16. 乐句中若有连续同音反复，一定要处理好，看走向，看哪个音重要，而不要把它们都弹成一样轻响、规律化，要像京剧里的“你！你！你你你你”。

17. 左手伴奏好像弦乐器一般，要有温暖感及方向，出现旋律时要注意音色及音的走向，要旋律化。

 

脉动

1. 音乐是时间艺术，节奏脉动非常重要，永远要有脉动。

2. 要十分重视拍号，不能浪漫到没有节拍，是四四节拍就不能弹成八拍，四二节拍不能弹成四拍，四三节拍不能弹成六拍。

3. 音符的时值一定要严格，时间上该弹多长就弹多长。

4. 一首乐曲中不同的音乐形象要有统一的节奏，才不会散。肖邦作品9之1中，左手要始终保持平均，右手做表情。如果三首《夜曲》连着弹，要有内在的联系。从第一首过渡到第二首时，速度要掌握好，这很重要。

5. 节拍的转换、变化要严格，要让人听清楚。

6. 附点是内在的脉动，不要数拍子，附点的短音符永远不能长，永远属于后面次要音，即使在结束句前速度也不能变，要靠后，慢乐章的短音符也是快的，不能本末倒置。附点的长音符永远不能短，渐慢时也是在长音符上给多些时间，慢乐章的长音符附点的速度要正确。

7. 一只手或一个声部是切分节奏时，要十分重视在拍点上出来的声部的节奏，节奏点要清楚。

8. 句子如从弱起拍开始，一定要让所有的听众都感觉得到。

9. 演奏时要注意速度上的自然借还，慢起、加快、渐慢，时间上要有比例，要平衡。速度上有借有还，重要的音、段落、起句呼吸、结束等，可以多给点儿时间，不要那么容易出来，也可多给点儿重量。音乐在描写内心痛苦、寻找答案时，不要太容易地弹过去。莫扎特最怕被误认为有表情就是慢，在他的作品中，句子的慢起、加快、渐慢、借还都要慎用。

10. 休止符应是无声的，但要有感觉，要有意思，休止的时间该多长，是内心的脉动，内心的感受，而不要只停留在数拍子上。有休止符的小节，在琴上该演奏几个声部要听清楚。休止符永远可以自由些，休止符前面的结束音要扬上去，否则无法弹后面的休止符，施纳贝尔是弹休止符弹得最好的。

11. 演奏多种性格的音乐时，速度要慢些。音少的小节表情多一些、慢一些，音多的小节则流动些，但音符多的片段，炫技时速度不要太快，每个音也要让人听得清楚，更要注意歌唱性。时值短的音符、十六分音符在慢乐章里要弹得流动些，ABA结构要注意速度的自然。

12. 玛祖卡有多种类型，跳跃的、俏皮的、接近圆舞曲的、抒情说话的、舞蹈的，等等。其第一拍与第二拍之间的距离要大一点，但又不是每次都一样，也有第三拍时间多一些的。左手是节奏与和声，若是旋律就要会说话。玛祖卡在波兰人的心里是祖国的代表，在肖邦其他的曲式、乐章中，时有玛祖卡的节奏出现，如《第二奏鸣曲》中的第二乐章，用玛祖卡的节奏是不得了的反抗。

 

No. 1 in G Major (第1首 G大调)傅聪 - Chopin: Mazurkas

 

13. 波兰舞曲的节奏音型是非常高贵傲气的。在《波兰舞曲》（作品53）的“sostenuto” 这段中，虽然是p，但不要突然软下来，还是要有那种气魄。

14. 弹协奏曲时，乐队与独奏要完全一致，任何处理都要平衡，独奏要与乐队一起考虑，句子是一致的，一起分句，一起呼吸。独奏与乐队交流时，时间上要先出来抢着说话，这样会更吸引观众，如乐队节奏拖慢了，独奏者应把速度带动起来。要弹好莫扎特协奏曲就要先看歌剧总谱，他的每首协奏曲都有不同的性格，要学会分析研究所弹作品特殊的音乐内涵，例如， K488、K575有相当多的地方相似：歌唱、温柔、悲剧性、恰当的小颗粒，以及运音法的运用。又如K450，主题是兴高采烈的，要“挥汗如雨”，琶音进来要有光彩，像非常华丽的穿着；第二乐章很大气，从发展段起，像整个世界都在歌唱，颤音要听到内心的颤动，音乐飘上去是在问上帝、问天；第三乐章的装饰音是旋律。再如K456，有很多的歌剧旋律、人物；第二乐章多次出现同一个音，而且有不同的方向感，像《费加罗的婚礼》中的女仆阿丽亚在替主人找耳饰，之后的音乐是她的哭泣，整个世界在陪她哭。还有如《“加冕”协奏曲》，D大调非常漂亮，有很多色彩、复调及自由，当初是莫扎特临时写的作品，因为是自己弹，所以很多和弦就没有写，后来是他学生写的和声。他的协奏曲中乐队不是为钢琴伴奏，而是一个整体，要考虑到任何片段都要有主要的旋律，一些片段以乐队为主，一些片段以钢琴为主，要研究乐队的配器、音量、旋律，等等。

15. 四手联弹，两个人内心节奏要统一，要一起呼吸，弹低音声部的人很重要，要根据音型伴奏。

 

和声

1. 弹任何曲子、句子的音乐形象要根据和声，可先弹一遍和声，就知道音乐怎样进行了，轻响安排就非常清楚了。

2. 根音很重要，根音线条要出来，地基打牢固，上面就好弹了。

3. 所有的和弦都要有音乐性，一只手在跑动时，要听到另一只手的旋律与和声。不能只是伴奏，即使是伴奏也要有方向感，听和声的发展时，要呼吸，要有内心感觉，不要去想演奏。这个和弦重要，但不一定要响，奥妙全在平衡。

4. 和弦连接要有线条感，凡是线中线要统统勾出来，有时线中线只要听见，不一定要加重。转调时要仔细听和声，和声解决时要有内心感受，句子中的任何声部的变化音一定要听见。

5. 多声部片段，每个声部进来时一定要听得清楚，外框声部要清晰，永远是外框的旋律重要，旋律出现，其他要轻一些。

6. 要把钢琴变成很多乐器、人声来表现。在音乐中要注意管弦乐的表现，在管弦乐上 升G与 降A的音高是不一样的，不要随意等同。在钢琴上弹奏时心里要有不同的感觉，要多想和声上的道理，要注意色彩变化，任何的变化音、半音、根音都要听见，大小调的色彩要有变化。

 

踏板

1. 要根据音乐，永远用耳朵听。遇有和声时换清楚，越是分清楚，越是有气魄，低音少用踏板，legato永远不靠踏板，要学会用手指弹连音。自己决定到底要踩哪些音，踏板要换干净，但要重视作曲家本人的用意。

2. 肖邦记谱是很仔细的，他的踏板与手是两种表情。休止符时踏板不能少，踏板与休止符是不一致的，是他的配器，踏板是他音乐中的另一个声部。

3. 贝多芬的长踏板要重视作曲家原来的意思。如四小节、八小节一个长踏板，是不能换的，有特殊的音乐效果。

4. 一个音发出声音后，若要达到渐响的效果，可以有两种方法，手指在琴键上做弦乐器的揉弦动作，或用抖音踏板。

 

音乐术语、表情记号

1. 要仔细读懂谱子中所要求的一切，包括音乐术语、拍号、速度记号、调性、和声、音程和节奏等，对作品结构要分析清楚，还需分句、分段，看清句子的小节数、高潮和高点。

2. 看到cresc.，不要太早响起来，要先渐弱，不能在第一个音上渐强，一定要在第二个音上渐强，凡是音乐需要渐响、有力时，速度不要突然快起来，而是相反要拉住。渐强与渐弱要有比例，渐强的句子要慢慢地响起来，总体在渐强即可。

3. 看到dim.，不要太早轻下来，而是要先渐强，然后渐弱，渐弱时不要不由自主地渐慢，可以自然地快一点点。

4.看到ff音量的长句子，不要整句轻下来，长句子可以是全部响的，也可试用ff先渐弱后渐强，这样处理更有趣。f是指整体重量，不是指每个音要弹f。

5.看到pp，整句就不要响起来，pp的音量完全是飘上去的效果，但音质不要差，p和pp是在 pp的地方变音色。

6.看到sub.时，f 和pp一定要立即改变音量，马上响或马上轻而不要渐渐响或轻。

7.ff与pp是一样有效果的，pp也可是高潮，pp时手不要抬得太高，不到顶的，飘上去后要注意音量平衡，上行是渐弱，下行是渐强，低下来时才响起来，反向思维，高的时候轻，低时响。

8. 音阶上行时可渐强也可渐弱，要看前后的安排及个人的趣味，与不到顶是两种处理。

9. 主要音之后不要再渐强，有时不一定要渐强，但要有方向感。

10. 要弹得即兴，不能让听众预料到，要有悬念。贝多芬音乐中常有即兴式的寻找。

 

指法

指法与音乐效果相关联，要设计好指法，用不同的指法使相同的音有不同的音乐表现。指法要为分句服务，不要图方便。装饰音一定要换指法，用143、243，不要用232、121。肖邦的4指是最敏感的。模进的指法要相同。弹轻时不要用大指，黑键尽量避免用大指。但肖邦在指法上打破了维也纳的条条框框，大指有时也可上黑键。

 

（原载于《钢琴艺术》2021年4月刊，因公众号无法显示部分音乐符号，本文有所删节，全文请见杂志）