印象派开启了对光的探索之旅，绘画从室内走向室外从此走向一个新纪元。艺术家带领我们走在风和日丽的天空下，感觉光感觉风感觉自然的美好，我们在大师迷人的作品里看到美，看到艺术创造，也看到我们内心所向往的生活。因为美，我们可以有更多的自由，可以继续前行，希望有一天人们不只是能在博物馆里感受艺术之美，而是在生活里也懂得听风听雨。
作为一种用光进行创作的艺术思潮，印象主义在其发展进程中受到多种因素影响不断变异趋向多元。基于光线与色彩的关系，有些画家创造出新的色彩运用方法和技巧，直接以油画颜料自身的颜色开始，纯粹以原色一点一点来构成复合的多种色彩，进而发展成为印象派的一个分支，即新印象派，因其采用原色以点构成色彩的点彩手法更形象的名称为点彩画派。纯色点彩是一种以科学为依据的方法，通过人的视觉感受体验画面色彩，让人想起以前测试色盲就是用布满多种颜色和大小圆点的图形卡片进行，正常者很容易分辨出其中的数字或图形。点彩法要求画家对色彩的理解和感觉要特别独到，创作过程过于繁杂费时，捕捉瞬间印象的光影派可能觉得在调色板上调好颜色，然后在画布上自由涂画来得更快，因此这个分支不是十分流行。但是由于点彩法的色彩表现方法与众不同，作品都具有一种独特的魅力，画面形态韵律统一，构图造型细密，色彩鲜艳纯粹表现性强，笔触细腻和谐，整体呈现出如诗般虚幻的神秘氛围，非常耐看。
修拉是点彩画派的创始人，被称为颜色化学家。他的每件作品都画有大量草图以尝试不同的配色方法，最终成为我们看到的样子。修拉英年早逝作品不多，其最负盛名的大幅画作《大碗岛的星期天下午》曾耗时两年完成，是芝加哥博物馆的宝贝绝不外借。
保罗·西涅克被修拉的创作方法和色彩理论所吸引，对点彩的热忱和造诣不亚于修拉。修拉去世后，他接掌大旗，倾其一生进行艺术探索。西涅克改进了修拉细碎繁琐的原色色点，代以无序的长方形笔触，色彩互相渗透后让画面丰富生动有层次感，与修拉的古典气派不尽相同。西涅克的作品多是描绘巴黎的城市乡间景色，特别是许多水上风光。下图《The Andelys，The bank》是西涅克在所住小镇Les Andelys创作的，光影在点彩手法中充满魔力。
《Entrance to the port of La Rochelle》
西涅克作品《撑伞的女子》画的是他的妻子，难得一见的点彩法肖像画。非常纯粹的点彩笔触，颜色对比突出，绿色和红色，橙色和紫色都纯净鲜艳，阳伞和特别的袖子造型突出，装饰性效果很强。
克洛斯作品《柏树》。除了修拉和西涅克，亨利·克洛斯（Henri Cross）是法国新印象派大师，他将修拉的点彩技巧与莫奈的色彩相结合，既保持了新印象主义的科学严谨，又继承了莫奈明快亮丽的形式美感，色调色彩特别是蓝紫色尤其生动耀眼，他的作品画面光彩闪耀令人赏心悦目。
克洛斯后期的点彩开始转而宽大，由点变块，类似马赛克的笔触充满活力，更具抽象的特点，有了野兽派和立体主义的感觉。
毕沙罗新印象派作品《田野里的女人》，前文写过毕沙罗后期也开始尝试点彩技法创作，依然沿袭印象风格的悦目色彩，清新明亮的鲜嫩绿色尽现春色。
新印象派主要以创造纯色的和谐为主，这一理念也深深影响了莫奈、梵高甚至后来的大师马蒂斯等，他们都曾尝试用点彩技巧创作。莫奈《伦敦国会雾中的阳光》就采用了点彩法，画面朦胧色彩非常纯净，梵高有一幅自画像（藏于芝加哥博物馆）是以点彩手法作为一种表达强烈情感的语言。十九世纪末印象派发展到晚期，许多曾受印象主义鼓舞的艺术家开始反对印象派，总之不管什么流派都会有人反对，从而推动绘画艺术的不断发展。
顾名思义，后印象派也就是印象派的晚期，但是后印象主义并不是印象派或新印象派风格的延续，而是在继承和发扬中进一步突破。印象派发展到后期对色彩的应用已经趋于成熟，后期印象派创作倾向则是形式主义，将绘画主题和表达对象的形体放在首位。艺术家不再满足于对自然事物和对外光色彩的描绘，而是强调抒发自我情感，表现主观感受和情绪，艺术表现更注重形式，在造型上重视形体结构。但是，所谓的后印象派仍然不算一个流派，仍然是印象派发展到最后的一个阶段。
梵高在法国的时间很长，他的大部分经典作品都是在法国完成。1886年，梵高初到巴黎并首次参观印象派画展，结识了莫奈、德加、毕沙罗、修拉和高更等一批成名画家，真正了解、欣赏和接受了印象派，开始尝试用印象派的短小笔触来捕捉光线的变化，创造了梵高独特的画风并形成以他为代表的后印象派。和米勒一样，梵高也不喜欢巴黎大都市的喧嚣，随后他来到法国南部阿尔勒，普罗旺斯强烈的阳光使他疯狂，标志性作品《星空》和《向日葵》问世。然而他被精神疾病困扰住进圣雷米精神病院。当身心渐渐平复之后，他离开圣雷米来到巴黎北边小镇奥维尔，一边治疗一边创作。他在奥维尔比较自由，结识当地居民，可以在田间散步，每天很早出门画画。但死亡一直跟在身后，七月，梵高自杀，躺在金黄的麦田里，两天后死亡。
奥赛博物馆收藏的梵高画作多数是他在奥维尔创作的。电影《Loving Vincent》讲述了梵高在奥维尔的最后时光，而《永恒之门》则讲述梵高在阿尔勒的生活和创作，里面有大量梵高作品很值得一看。梵高是后印象派三杰之首，他以一种细碎的带着流动感的笔触表达形体的动态，色彩和形式的表现力给人强烈的视觉冲击力，尤其在博物馆里直面原作，想像梵高创作时的强烈情绪，体验画面的笔触气韵，被感动的其实不只是作品本身，而是梵高短暂生命中的创作激情。
梵高在奥维尔的作品《奥维尔的茅草农舍》，柔软的笔触时而强时而轻，挥洒自如。凡高在信中说过：“奥维尔这地方非常美，那些越来越少的古老茅屋，更美！”
梵高作品《诗人尤金》，他用调色板上最强烈、最浓艳的蓝色，在一个单纯的背景中映衬头部周围金黄色的光亮，苍穹深邃碧蓝，那儿还有一颗星。
《午歇》是梵高临摹米勒的作品创作的，可以看到他钟爱的明黄色占据画面，人物像是点缀。和米勒的作品对比，构图与人物造型极其相似，米勒的色调灰暗，梵高的总是色彩明亮。无论梵高的生活如何不堪和落魄，他的作品永远是明媚美好，纯真积极的，总是能够打动人并感受到他所传递的美，这也许就是他作品的伟大之处。
《奥维尔教堂》——分不清楚，是梵高的作品打动人 ，还是他孤独却激情似火的艺术生命打动人。我们走进博物馆，走向艺术，体验美，梵高一直都伴随左右。
梵高生前无名，作品很少被博物馆收藏，多数流传在外。在 1940 到 1950 年代，梵高的作品被大量捐赠，最终使这位巨匠的作品出现在国家收藏中。梵高一生为自己画了近四十幅自画像，从素描到油画，愤怒的、疯狂的、忧郁的，神经质的，以及偶尔快乐的，展现了不同时期的梵高。
梵高在1888至1889两年间总共画了三个版本的《卧室》，皆是描绘当时梵高在法国南部小镇阿尔勒所居住的房间，三个版本并不完全一样。奥赛收藏了这一幅，另外两幅分别藏于芝加哥博物馆和荷兰梵高博物馆。几年前曾由芝加哥博物馆第一次把梵高的三幅卧室油画放在一起展览。
塞尚以前，绘画如同摄影照片一样细致逼真，从塞尚以后，艺术家创作更追求形式上的美感，表现手法开始变得夸张或变形。保罗·塞尚（Paul Cézanne）对后期印象绘画形式和结构的探索更进一步，他以色彩造型、艺术变形和几何结构的绘画方式而被称为现代绘画之父。塞尚的作品无论在线条、色块和形式结构方面都与众不同，他以块面构成几何形体，以厚重的色彩表现结实的立体感，创造了一种色彩建筑学。
塞尚无论是静物、风景还是人物肖像都与其他画家不同。作为一种艺术形式，静物画是画家对色彩和造型的基础训练，好的静物画除了有逼真效果的直观感觉，还在于赋予静物鲜活的生命力，从而体现画家的艺术感悟和精神情感。许多艺术家对静物画只是偶尔为之 ，而塞尚却热衷于静物创作，也许只有静物才能给他充分的清静与悠闲，可以从容面对。
塞尚的静物作品中苹果是主要的应用素材，他把最日常的东西作为他传达艺术理念的最佳载体。他十分注重表现物象的结实感和画面的深度，擅长以块面色彩构成几何形体表现事物的质感，不再追求逼真效果，但还是能看出是水果。面对无生命静止的物体作画，改变物体的颜色就是改变它的造型结构，其实色彩丰富到一定的程度，形也就成了。
塞尚的水果静物系列作品是平凡生活的即景再现，明晰的形状形体和匠心独运的画面构图更具形式美感，色彩明暗对比表现出物体的质感和量感，画面层次丰富，细节耐人寻味，静止的物件在塞尚笔下得到了鲜活的体现。塞尚的静物画是古典与印象的结合，既不拘泥于古典主义的写实，也不像印象派只注重光影，同时还保证物体的形态。
塞尚早期一直与印象派画家一样创作山水风景画，到后来有了自己的艺术思想。他不喜欢印象派没有形体的绘画风格，于是后期逐渐摆脱印象派，创作出既有光影，又有形状的作品。塞尚无论静物、风景或肖像都是他自己艺术思想的真正体现，画面色调、物象、变形和笔触结构等因素是塞尚艺术感觉的表现，尤其以块面色彩表现物体造型和质感的绘画方式对后来的立体主义影响最大，从这点来说，塞尚可称为立体主义的先驱，马蒂斯、毕加索对他是佩服有加。
塞尚《圣维克多山》系列中的作品之一。他用大大小小的色块形状表现风景，通过色块的颜色深浅来相互层叠，既有光影，又有景物的立体感。
塞尚的肖像作品
Maurice Denis的作品《向塞尚致敬》，表达了对现代绘画之父塞尚的深深敬意，众多画家围绕着塞尚的一幅静物画分析探讨。塞尚被许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，影响了各种形式主义的现代绘画流派。
从塞尚开始，艺术家从追求真实描绘自然，开始转向表现自我和个人感知。后印象派另一代表高更则专注于原始性和象征性的艺术表现，在绘画中用一种扭曲变形的形态来表现一种原始的冲动，他的色彩笔触更狂野更具冲击力，是一种本能原始的体验。有一部描写高更离开巴黎到大溪地生活创作的电影《高更：爱在他乡》，那个远离世俗、风景优美的岛屿记忆了太多他对于这个世界的向往，以及关于自我存在的思考。大溪地令人陶醉的异国风情，富有生气的原始村民，五彩缤纷的服饰打扮，他像个地道的土著人，住着茅屋草房，参加他们的仪式和游戏。新生活令高更心潮澎湃欣喜若狂灵感不断，以当地居民为模特，全新的题材，粗厉的笔触，对比浓烈的色彩，夸张变形的手法，诞生了一幅幅原始风味的作品，以表现现代文明中人类内心的迷茫痛苦和焦虑。高更被公认为最伟大的画家之一，给予象征主义、超现实主义等流派以重要影响。
高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条色彩
美国画家惠斯勒的代表作品《母亲肖像》 ，被誉为二十世纪最伟大的肖像作品之一，与传统正面的肖像画不尽相同。画面以黑灰两色为主，母亲安详地侧身端坐，惠斯勒以满腔热忱与崇敬之情塑造了自己严肃虔敬、质朴无华的母亲形象，具有感人至深的魅力。此画由法国政府购买，如今成为收藏于美国境外的惠斯勒最著名的作品之一。惠斯勒是一位为艺术而艺术的画家，很难说属于哪个画派，他有着自己独特且鲜明的风格。这与他走过很多地方，受过多种不同文化和艺术的熏陶有关，所以他的画也是非常之美。
惠斯勒出生于美国，成长于俄罗斯，学画于巴黎，他的作品也曾多次被沙龙拒之门外而只有参加落选展，由此他离开巴黎去了伦敦学习，之后返回巴黎并渐渐有了名气。惠斯勒曾经将这幅肖像作品献给美国，结果大都会博物馆长拒绝接受。幸而一位识货的法国诗人利用自己的名望迫使法国政府买下了这幅画。
就这样，这幅伟大的肖像画变成了法国和奥赛的宝贝。
图卢兹·洛特雷克一生的代表作品《Rousse红发女郎》，并参加了最后一次印象派画展，结识了许多印象派画家，他特别崇拜德加而专注于人物画创作。图卢兹深受德加绘画题材和技巧的影响，长期沉浸在蒙马特高地，作品记录着十九世纪晚期巴黎波西米亚的生活方式，包括沙龙、咖啡店、夜总会、妓院的细节场面。
作为后印象派画家，图卢兹的人物作品有了明显的扭曲或夸张，写实手法独树一格，不再像德加笔下的舞女那样轻盈优美。图卢兹后期受日本浮世会风格影响开始版画创作。其实很多画家包括莫奈、梵高、惠斯勒等在内都曾受浮世会的影响，他们特别钟情于北斋的作品，《富岳三十六景》无疑是被世界认知最多的浮世绘作品，所以才有了莫奈的《穿和服的卡米尔》以及梵高《开花的扁桃树》。
后期印象派大师卢梭作品《弄蛇女》，此卢梭不是巴比松派卢梭。此卢梭以大自然为师自学成才大器晚成，以纯真原始的丛林梦境作品著称，他充满天真和理想的绘画给人一种清晰感，可越清晰就越神秘，甚至还有些童话般的梦幻魅力。卢梭的作品对后来的先峰艺术和艺术家影响广泛，诸如毕加索、超现实主义等。
还有一位印象派大师阿尔芒德·基约曼（Armand Guillaumin），他的作品也是非常有看头，曾参加过六次印象派画展，以稳重粗旷的笔触和大胆的色彩闻名。当时有评论家称他是十年前的野兽派，在网上查看了一些他的后期作品的确有此感觉。基约曼和梵高两兄弟都是朋友，甚至卖过他的画，当时提奥在巴黎还算是有点名气的画商，但就是没能帮梵高卖出过画。
基约曼早期作品《Sunset at Ivry》色彩鲜艳明快
二十世纪初，一群年轻艺术家的作品集体亮相沙龙展并引起轩然大波，因为他们鲜明浓重的纯色应用，弱化了造型而形式更加自由，被冠以野兽的创作流派兴起。
安德烈·德兰（Andre Derain）是二十世纪初期艺术运动的先驱之一，被称为古典野兽。德兰作品《Charing Cross Bridge》是其作为野兽派最成功的作品之一。道路和建筑物被粉刷，而天空和水是细小的碎片，汽车模糊甚至有些变形，形式自由写意画面颇具美感。
马蒂斯早期作品，非常明显的新印象主义点彩风格，那时他还未成为野兽。
奥赛收藏的毕加索粉色时期的最后一幅代表作品
奥赛博物馆的绘画收藏在不断购买和捐赠中发展壮大，年复一年地保持着艺术品的活力。奥赛作为印象绘画的天堂向公众展现了一个丰富完整的关于巴黎美好时代的形象，这是艺术史上最具创造力的时代。印象派艺术在某种程度上也可以视作西方古典艺术的终结，后面的艺术表现及流派将在蓬皮杜展开。
