９天和我一起玩遍巴黎与周边（4）- 物超所值的景点攻略，三千张美景照片！

９天和我一起玩遍巴黎与周边（4）- 物超所值的景点攻略，三千张美景照片！Orsay Museum, Lachaise Cemontery

Day 4

May 6, 2008 Tuesday

Today's Highlights:

We got a 2-day museum pass (30euro, 3 days pass costs 45euro) and visited Orsay with it from 11am ~ 3pm
Took a rest at hotel and went to Pompidou at 4pm but it was closed on Tuesday.
We then hopped on #69 bus towards Pere Lachaise Cemontery, it was closed at 6pm when we got there but we just walked along the street and enjoy the views in dusk.
Took metro back and had dinner near our hotel

真的, 参观美术馆就是花时间和精力的事儿. 趁有劲的时侯来参观美术馆, 我认为上午很好. 今天重点是奥赛. 我爱奥赛胜于卢浮宫. 很多奥赛里名画的照片拍的效果不太好就不登了.

How to get there:

Musee d’Orsay 奥赛(西)美术馆 (Left Bank Heart) - M1 off at Neuilly-Porte Maillot turn toRER C off at Musée d’Orsay

Pompidou Center 蓬皮杜中心 (NE) (close at 10pm) - M 1, 11 off at Hotel de Ville -- closed Tue 6pm

Cimetiere du Pere Lachaise 拉雪兹神父公墓 (NE) - M 2 off at Pere Lachaise , the place is closed at 6pm -

艺术桥

在巴黎只身旅行的女人不少.

到了. 买三天博物馆联票, 可不用排长队就进去.

奥赛美术馆是法国近代艺术博物馆，主要收藏从1848年到1914年间的绘画、雕塑、家具和摄影作品。博物馆位于塞纳河左岸，和卢浮宫斜对，隔河和杜勒丽花园相对。博物馆原先是奥赛车站，1939年车站停用，废弃多年后，在1986年改建为博物馆。奥赛与卢浮宫、蓬皮杜并列为巴黎三大博物馆，是联结古代艺术殿堂卢浮宫和现代艺术殿堂蓬皮杜中心的完美中间过渡。奥赛以收藏大量印象派画作而闻名于世。雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》、梵高的《自画像》和莫奈的《草地午餐》等均是这里的镇馆之宝。

卢浮宫前杜伊勒花园(杜丽花园Jardin des Tuileries)塞纳河对岸，一幢有大钟的美丽建筑是过去的巴黎西南火车站，1986年被改造成全球印象派藏品最多的博物馆。巴黎三大博物馆之一的奥赛博物馆主要收藏的是1848-1912年的艺术珍品(1848年前的藏品建议参观卢浮宫，1912年后的艺术建议参观蓬皮杜)，来这里一定不能错过的就是这些印象派大师的珍品

上图> 德加法国 1875-1876年画布油画 92x68cm 巴黎奥赛博物馆藏
这是一幅被人誉为是一幅有思想性的叙事画。画中右侧男子是画家朋友台斯色丹，左侧女子是演员爱伦·安德雷，出于偶然原因，德加为穷困潦倒的朋友画了这幅富有性格特征的肖像。画面笔触粗犷阔大，生动而简练地刻画了两人的精神状态，一杯苦艾酒，反衬出两个失意人的苦楚。构图有些奇特，人物被挤到右上角，大部分空间用来描绘酒吧陈设，这种空旷感与人物的失落感相映成趣。这幅画曾出现在1876年第二届印象派联展的目录上，但次年才真正展出。1893年，当这幅画在伦敦展出时，因其主题过于创新，曾饱受负面的批评。

这幅双人肖像亦为一幅风俗画，前景大理石桌造成歪斜的几何空间，隐喻二名男女心灵的空虚，他俩迟钝、孤寂，酒精正一步步地侵蚀他们。苦艾酒佈局在整幅画的正中央，意义非比寻常。为了凸显二个人物的愚蠢可笑，德加故意将两个微醺的人安置在一个混乱的空间中。根据德加自己的解释，他的画法可使现实更具鲜活效果。酗酒者漠然、无力感的神情，与左拉于1876年发表的连载小说《酒店》中描述的沉重景象不谋而合。

>托马斯库提尔油画 1847年　　在罗马的祖先们建造的威严、井然的建筑中，罗马的男女们开始过着纵情酒色的生活。巨大的罗马立柱间耸立着先贤们的大理石雕像，位于中心的是格马尼库拉斯，他代表着一个曾经注重道德的时代。右上角一个喝醉的人甚至爬上雕像，试图让石头和自己一起狂欢。在右下角，两个远道来访的日尔曼人冷眼旁观着这颓废的景象隐喻了罗马帝国日后将亡于日尔曼人手中的结局。历史确实是这样的罗马帝国的衰败并非源于早期的穷兵黩武，而是根源于后来的繁荣稳定导致的罪恶丛生、道德沦丧。

记不清是卢浮还是奥赛的画了.

OK, 根据我穿的衣服, 看到的应是奥赛里的画.

> 德加法国 1860年布面油画 200x253cm 巴黎奥赛博物馆藏
这是德加青年时期最出名的一幅作品，展于1867年巴黎沙龙。这幅画以写实的手法描写画家的舅父母和两个表妹。画家在这里把全部注意力都集中在人物形象的描绘上了。人物似乎并没有摆姿势，但也不能说画家是一下子就抓住了他们。画中表现了贵族家庭文质彬彬的“良好教养”、他们的拘礼守法、他们那种绝不轻举妄动的不可一世和目中无人的神气。德加从背面去表现坐在扶手椅中的贝利尼先生，画家对舅母的相貌表现得细腻入微，所有的人物，正如在德加的心目中一样，主要是唤起一种肃然起敬的感觉。

马奈--吹笛子的少年

马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家。这幅画在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使之更加响亮耀眼。

上图是是法国写实派与印象派画家爱德华·马奈创作于1862年和1863年间的一幅布面油画《草地上的午餐》。原本名为《浴》（法文：Le Bain）。在1863年的“落选作品展”第一次展出。

1863年，马奈以他的《草地上的午餐》震惊了法国公众。该作品不是杜米埃式的社会或政治意义上写实绘画，它是主张艺术家个人自由的声明。以裸体女子随便地与两个完全着装男士共进午餐显示冲突。裸体女子是马奈的模特维多利安·莫涵（Victorine Meurent），两名穿着讲究的时髦绅士是马奈的弟弟古斯塔夫和他的妹夫费迪南德·里郝夫。莫涵正视前面，两名男士相互交谈，似乎无视该裸体女子的存在。摆在他们面前的是该女子的衣服，一篮水果，及一条圆面包形成的静物。背景中还有一女子在小溪边。

《草地上的午餐》用色细心，试图表现出鲜丽的感觉，可从前景衣物色彩的变化、裸女肤色与男士衣装色彩的相互衬托中看出。此外，《草地上的午餐》呈现的明暗交错显然已注意到光的变化，使它被视为印象派画作的先驱。该画背景没有深度，几乎没有阴影，给观众的印象是现场不是发生在户外，而是在一间画室内。绘画风格与当时盛行的学院派传统决然不同。马奈没有试图隐藏笔触：的确，这幅画的部分场景似未完成。裸体女子与卡巴内尔或安格尔作品中肌肤光滑无瑕的女性相去甚远。

这幅作品介乎于印象主义与写实主义之间。由于两位男士穿上十九世纪的时装，即西装，所以这画包含写实元素。这画的背景模糊不清，细节被简化，因此这画属于印象主义的。

马奈的作品显示了他受古代艺术大师的影响。人物的姿势来源与拉斐尔设计的，莱蒙特的雕刻。学者们还列举了另外两件作品影响了马奈：乔尔乔内的《暴风雨》和提香的《田园音乐会》。

下图这幅是莫奈的草地上的午餐>>. 作者克洛德·莫奈（Claude Monet 1840－1926），法国最重要的画家，印象派代表人物和创始人之一。印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。莫奈的名字与印象派的历史密切相连。

1874年莫奈展出了他的著名作品《日出·印象》，印象派从此得名。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到出神入化的境地。莫奈善于从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象。他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其它因素中抽象出来，把它提到了不可攀登的高度。

莫奈的草地上的午餐>> (又称花园里的女人们>>

这幅画因原作品潮湿被损坏，1884年画家把它剪裁成现状，即保留了原作品的中间部分。莫奈运用印象派的光影手法，描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景，衬托着前景白布上的男人、女人及食品，体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去，一片片绿叶在强烈的阳光照耀下，显得异常透亮，不仅点明夏天的炎热季节，也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用，给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。

25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。油画尺寸为255x205cm，莫奈租了一个花园，他站在自己挖的土壕里作画，油画上半部在地面上，下半部在壕内，因请不起模特画里三个女人实际就是他妻子卡美伊一人。那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。现在这幅是剪裁而成的。从题材和构图来看这幅画肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。

这幅画是在户外完成的，因此和马奈的《草地上的午餐》比较，在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。但莫奈认为，真正出彩却是背景的树叶，它们在逆光下呈现出透明的绿色，由黄绿到深绿色彩层次极其丰富，莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸。而真正模特的脸是卡米尔，1865年，莫奈初识卡米尔，请她做自己当时正在筹划的一幅巨型油画《草地上的午餐》中的模特，后来卡米尔成为莫奈的妻子。

画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。莫奈运用印象派的光影手法，描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景，衬托着前景白布上的男人、女人及食品，体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去，一片片绿叶在强烈的阳光照耀下，显得异常透亮，不仅点明夏天的炎热季节，也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用，给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。

记不清了.

> 卡耶博特法国 1883年布面油画 65x82cm 巴黎奥赛博物馆
这幅画表现了这位汉学家科尔迪耶孜孜不倦的工作和探索，右侧书架上一排排厚厚的书显得高深莫测。画的颜色是用那个时期画家典型的色彩画的，尤其是服装上略带浅紫色的灰蓝色，是色彩逼真的精湛技艺的绝妙实践。显然卡耶博特是在竭力描绘被家具侵占的空间，完全抽象的空间，用快速但密集而又有暗示性的笔法画成的物件象征这种侵占，这样的笔法使我们想到他也是一位出色的静物画家。

居斯塔夫·卡耶博特（Gustave Caillebotte），法国印象派画家。1848年生于巴黎一富有之家，1873年在美术学院学习时是列昂·博纳的学生，博纳是当代绘画艺术学院派的代表。但他很快就放弃了学业，转而进行印象派绘画的探索。1876年，他的两个版本的名作《地板刨工》(1875，分别由奥赛博物馆和私人收藏)参加了第二届印象派作品展览。此后举办的各届画展他没有一次缺席过，一直到1882年。而后他放慢了创作活动的节奏，直到他干1894年过早地离开人世。卡耶博特还是个收藏家，从1876年起，他经常资助印象派画家朋友，出钱购买他们的一些作品，其中包括莫奈的《圣拉扎尔火车站》的多个版本和雷诺阿的《加莱特磨坊》。去世之前，他个人藏品中有63幅画全都捐给了国家，官方对此虽然未作怎样的表示，但印象派的画却从此大量成为国家的收藏，而卡耶博特当年收藏的那些画至今仍是奥赛博物馆的瑰宝。

> 德加法国 1876-1878年布面油画 66×81cm 巴黎奥赛博物馆
德加喜欢画马，他所擅长描绘的动态手法，使他成为画家当中首先运用电影技巧的先驱。在这幅画中，德加将人物、马匹与车辆放在同一个对角线上，以便留下空间来展现一片绿野。后景中的群山之巔，露出了一片天空，而在中间左侧，他则另外安排了一匹因为一列火车经过，而焦躁不安的马。这就在构图上大大地叛离了西方绘画的传统，完全不讲均衡与对称的关系，用贯用的切割和重叠的手法制造出深远的空间感。而由于切割构图及其重叠，所以画面上几乎看不到一匹“全马”。

>灰与黑的协奏曲：画家母亲肖像惠斯勒美国 1871 年布面油画 144x163cm 巴黎奥赛博物馆
这幅画被20世纪誉为最伟大的肖像画之一。作者以满腔热忱与崇敬之情塑造了一个严肃虔敬、质朴无华的典型的美国母亲的形象，具有感人至深的魅力。在这幅画中，画家惠斯勒的母亲侧身呈对角线形端坐在房间里，黑色衣裙占据了画面的中心位置。她神情恬淡，面容慈祥庄重，是位修养高尚、温柔中蕴含坚强的母亲，环境以横竖直线分割，形成黑白灰色块对比，这是一幅具有现代感的出色肖像画。

惠斯勒（McNeill Whistler 1834～1903），美国著名画家。出生于马萨诸塞州洛厄尔。父亲是美军少校、铁路工程师。曾在俄国帝国美术学院学习，1849年父亲病逝后，同母亲回到美国，并考入西点军校，但后来被除名。1855 年到巴黎学习绘画，深受德加和库尔贝影响，他的作品沉稳而优雅。代表作有《在钢琴旁》、《白衣女郎》、《蓝色与金色的夜曲：落下的火箭》以及《灰与黑的协奏曲：画家母亲肖像》等。《画家母亲肖像》是一幅具有现代感的出色肖像画，但遭到英国皇家美术学院的拒绝，有声望的皇家艺术学会会员博克沙尔声言，如果不展出这幅画，他将辞去会员称号。由于这幅画的装饰性效果和音乐名称遭到责难，画家出于对祖国的怀念决定将这幅画献给美国。当大都会博物馆长接受这幅画时，竟勃然大怒，骂惠斯勒算不上画家并退回巴黎，由马拉美等人上书迫使法国政府买下这幅画。后来这幅被20世纪誉为最伟大的肖像画之一，可惜它不属于美国。

> 卡巴内尔法国布面油画 1863年 225x130cm 巴黎奥赛博物馆藏
这幅作品1863年在沙龙展出时，引起轰动，拿破仑三世立刻购买，作为私人收藏。美国艺术历史学家Robert Rosenblum评论说：“这幅作品徘徊在古代女神和现代梦幻之间”，“她的眼睛半睁半闭，神态似睡非睡，而一个半睡半醒的裸体女性对一个男性是最为可怕的”。大文豪雨果也说过一句类似的名言：“一个裸体的女人，就是一个全副武装的女人”。卡巴内尔画的《维纳斯的诞生》曾被批评为“画了一个粉嫩光滑，放荡而又肉感的裸体。”当然，他画的维纳斯比不上波提切利的维纳斯那么清纯，也不如布格罗画的维纳斯那么端庄健康，只能说是过分地慵懒、娇媚了，还谈不上“放荡”。而且睡在海面上的姿态是画家的创造，色彩的明亮和小爱神的飞舞，都给人以愉快、欢畅的感受。这是一幅著名的作品，作于1863年，这幅画总共绘制了两幅，第一幅现藏于奥赛博物馆，第二幅现藏于纽约大都会博物馆。

亚历山大·卡巴内尔（Alexandre Cabanel，1823年9月28日－1889年1月23日），法国学院派画家。卡巴内尔出生于法国埃罗省省会，地中海沿岸城市蒙彼利埃。他的绘画以学院艺术风格著称，取材以历史，古典，及宗教题材为主。卡巴内尔的艺术可作为法国第二帝国和第三共和国时期沙龙学院派艺术的代表。卡巴内尔的历史画和宗教画追求表面的艺术效果，他的装饰壁画和外表华丽的盛装肖像画在上流社会享有很高的声誉。

> 我买的明信片.

忘了叫什么, 也是初高中时买的画册里看到过的, 这是真迹!

> 德加法国 1895年粉彩画 80x60cm 巴黎奥赛博物馆藏
德加一生有少数几个常画不衰的重要题材，芭蕾舞演员便是其中之一。他笔下的芭蕾舞演员没有挺拔傲然的身姿，典雅飘逸的舞步和仙女的容貌。她们的面孔多半是模糊的，神情多半是倦怠的，身材也谈不上婀娜，但德加抓住了画中所有女演员动作中最美的一瞬，而所有的动作竟然又都协调一致，虽然画的是动态的对象，整幅画却是稳定的，平衡的。甚至能够感受到舞蹈的节奏和韵律。画家所把握的还真的就是一瞬间，稍纵即逝，足够短，但也足够长——这一切都留在他的记忆里，然后被完美地还原到画布上。这幅《篮衣舞女》就是这样的一幅画。

> 德加法国 1873--1876年画布油画 85x75cm 巴黎奥赛博物馆
这幅《舞蹈课》是“把印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中”的最典型的画作。画中着色最多的是舞者们的黄、绿、红、蓝的带子的，轻易地描绘出动态的造型美。一些舞蹈女演员在芭蕾舞教师佩罗的指导下练习跳舞，佩罗站在中央，手里拄着一根长拐杖，另一些挤在尽头的学生在一边休息，一边观看。从画中女孩们在背部向前看，在第一排，第一个坐在一架钢琴上，扭动着身子，在背上抓痒，虽然看不清面部，但小女孩休息时调皮随意的神态完全可以想象得出。正在跳舞的芭蕾舞女演员的魅力与等待跳舞的女演员的不雅动作形成对照。尽管她们都是侧着身的，但从观看者的角度来观察这些舞者并不费力，这就是利用画幅的空白的一个好例子。

芭蕾舞者短裙的“单位形”重复的被利用以使画面呈现它的统一性，再加上四根绿色的大理石柱子使画面中的空间呈现出容纳这些舞者所需要的足够空间，更加强了这幅画中的统一效果。正在舞者脚边的小狗，也為这幅画增添些许俏皮和新鲜的味道。

> 德加法国 1884-1886年画布油画 76x81.5cm 巴黎奥赛博物馆藏
这是德加最有名的的一幅画。在这里，他以印象主义式明亮的色彩和柔和的色调表现了两位由于辛苦的工作而筋疲力尽的熨衣女工形象，把作为贵族的德加所体验到的人生经验传达给我们。它也同样影响了20世纪立体派大师毕加索——他在他的“蓝色时期”的作品中也借助类似题材表达了他对下层普通人的同情。

从绘画技法上和创作观念上看，德加是一个典型的印象派画家。然而作为安格尔亲自点拨过的学生和受过严格学院派训练的油画画家，德加内心里却深藏着古典主义对题材的关注。因此，他一面通过某些题材来达到对色彩和构图的研究，一面又赋予题材某种社会的意义。1874年2月13日，他的一个朋友埃德蒙·德·贡库尔特在拜访过德加后在日记中写道：“经过多次多角度的试验、尝试和摸索后，他现在喜爱上了当代题材，并专门关注洗衣妇和跳舞的人。我对他的选择无可挑剔，因为我也在‘曼内蒂·莎乐美’中赞美了这两种职业。在我们这个时代，这两种职业为当代画家提供了最适于描绘的女性形象。”当时许多画家都把视角对准了下层人的生活，这是受左拉现实主义小说影响的结果。德加曾于1869年用色粉画过“熨衣妇”这个题材，以后他花了很多时间来完善它。这里的这张画是油画，是对两年前一幅同样题材的色粉画的再加工，也是他最有名的的一幅画。