电影中的古典音乐（上）
电影被称做第八艺术，也是综合性艺术，当然包括音乐的表现方式。要谈电影中的古典音乐，就要先了解在电影专业上，音乐应用可以粗分成哪些型态，也就是了解电影音乐的分类。
●电影音乐的分类
若不想牵涉太多电影专业术语，但又想精确了解电影音乐的类型，就必须从两个向度来看电影音乐：一个从配乐创作者的角度来看，另一个从配乐搭配剧情的角度来看。
从配乐创作的角度来看，电影音乐可以分成原著音乐及非原著音乐两大类。
原著音乐，是作曲家专门为电影谱写的乐曲。像是谭盾为《卧虎藏龙》（Crouching Tiger Hidden Dragon）写的那段飞檐走壁鼓乐，或者是丹尼艾夫曼（Danny Elfman）为《蜘蛛人2》（Spider Man 2）所写的主题音乐。
而非原著音乐，则是将既有的现成作品配在电影上。像是电影《疯狂乔治王》（The Madness Of King George）运用韩德尔（George Frideric Handel）的《水上音乐》（Water Music），或者是维斯康提（Luchino Visconti）的《魂断威尼斯》（Death in Venice）运用马勒（Gustav Mahler）《第五号交响曲》的慢板乐章。
若换个角度，从配乐搭配剧情方面来看，电影音乐则可分「Source Music」以及「Score Music」两大类。
「Source Music」用在剧情中出现真正声音来源，必须取信于观众时，因此主要是写实之用。例如《英伦情人》（The English Patient，1996）女主角在断腿的钢琴上弹奏，就必须真的找首钢琴曲来配。或者是《第五元素》（The Fifth Element）的章鱼外星女高音演唱时，就需要一首咏叹调。
而「Score Music」则是指剧情中我们无法找到声音来源，但却为了烘托或强化剧情效果而存在，因此多是写意之用。例如《似曾相识》（Somewhere in Time）中，作曲家约翰贝瑞（John Barry）专为男女主角生离死别所写的缠绵配乐，或是《麻雀变凤凰》（Pretty Woman，1990）里，那首大家朗朗上口的流行歌曲《Pretty Woman》。
在电影配乐发展初期，好莱坞制作公司甚至要求，导演一定要在「Score Music」出来时，透过剧情交待清楚音乐来源，也就是说尽量让它变成「Source Music」，免得观众一头雾水，找不到什么东西在发出音乐。
这个电影语汇发展初期的怪象，对现在的电影观众来说，可能觉得不可思议。因为当我们眼睛看着《第六感生死恋》（Ghost）屏幕上，女主角黛咪摩尔（Demi Moore）跟男主角派崔克史威兹（Patrick Swayze）两人相拥拉着陶土，耳朵却听着正义兄弟（The Righteous Brothers）演唱的《Unchained Melody》旋律时，丝毫见怪不怪，不会误以为陶土会唱歌，能够完全掌握导演想要传达的情绪效果。
附表：电影音乐四大类实例
第一类原著音乐& Source Music：珍康萍（Jane Campion）执导的《钢琴师和她的情人》（The Piano），女主角所弹的曲子，是麦可尼曼（Michael Nyman）专为该片而写。
第二类原著音乐& Score Music：恐怖大师希区考克（Alfred Hitchcock）执导的《惊魂记》（Psycho），柏纳赫曼（Bernard Herrman）专为该片凶案发生时，写了充满惊悚张力的弦乐段落。
第三类非原著音乐& Source Music：史考特希克斯（Scott Hicks）执导的《钢琴师》（Shine），男主角弹奏的钢琴协奏曲，并非拉赫曼尼赫夫专为该片所写。
第四类非原著音乐& Score Music：库柏利克（Stanley Kubrick）执导的《2001年太空漫游》（2001 A Space Odyssey），航天员在宇宙飞船上配史特劳斯的《蓝色多瑙河》的音乐。
（注）Source Music指影片中有确实声音来源（写实），Score Music指影片中无此声音来源（写意）
●电影与古典的缠绵故事
从电影音乐的发展来看，电影与古典音乐的关系其实相当紧密，无论从电影史来谈或是从电影内容来谈，都有十分缠绵的关系。
卢米埃兄弟（The Lumiere Family）1895年12月28日，在巴黎放映了影史上的第一部商业片，当时还请了钢琴家在现场演奏通俗小品，为当时「沉默的电影」配上一点气氛，也让电影与音乐首度「发生关系」。不过，写下电影音乐第一页的人，应算是电影之父葛里斯（D.W. Griffth）。他在《国家的诞生》（Birth of Nation，1915）一片中，首次与音乐家布瑞尔（Joseph Carl Briel）创作出美国民谣的配乐型态，音乐开始成为电影的重要构成元素。
其实，初期对电影音乐较具贡献的人是古典音乐家。因为从有声电影问世到三○年代中，电影音乐是以纯音乐的型态来构思创作，因此电影音乐有浓浓的古典味。例如法国作曲家圣桑（Charles Camille Saint-Saens），便曾在1908年为电影《谋杀居伊兹公爵》（L'Assassint du Duc de Guise）配上作品128号，有机的把音乐与画面整合，深获好评。
这些训练有素的古典音乐家，大多数抱着玩票性质从事配乐工作，但也玩出不错的成绩。像是俄国的艾森斯坦（Sergei Eisenstein）与普罗高菲夫（Sergei Sergeyevich Prokofiev）两人合作的《恐怖伊凡》（Ivan the Terrible，1945），就十分成功，使得普罗高菲夫成为俄国电影音乐的核心人物。在当时，把柴可夫斯基（Peter Ilyitch Tchaikovsky）、贝多芬（Ludwig Van Beethoven）、普契尼（Giacomo Puccini）等人现成的古典乐曲运用在电影，非常普遍。
如果我们从电影内容来看，拿古典音乐当成作曲家传记电影的配乐，无论对剧情发展或时空背景都更具说服力。较出名的例子就是描写莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）故事的《阿玛迪斯》（Amadeus），以及讲贝多芬爱情故事的《永恒的恋人》（Immortal Beloved），两片分别大量采用两位大作曲家的作品。
我个人看过音乐与剧情「高度整合」的片子，则是英国导演肯罗素（Ken Russell）执导的《马勒传》（Mahler）。片中除了极少数的运用华格纳（Richard Wagner）音乐外，完全采用马勒的作品配乐，让观众了解马勒人格特质之余，也对他的音乐留下极大的印象。肯罗素爱拍传记电影，也很懂用作曲家的音乐来配电影，他另外知名的传记电影是《乐圣柴可夫斯基》（The Music Lovers，1971）。
影史上还有许多知名的作曲家电影，像是美国片《新翠堤春晓》（The Great Waltz），是「圆舞曲之王」小约翰史特劳斯（Johann Strauss Jr.）的传记，片中大量运用《蓝色多瑙河》、《春之声》等圆舞曲。
●作曲家在电影中谈情说爱
早期由凯萨琳赫本（Katharine Hepburn）饰演克拉拉舒曼（Clara Schumann）的美国片《爱之歌，1947》（Song of Love，1947），则讲她与布拉姆斯的感情。九十年代德国更进一步拍摄舒曼（Robert Schumann）与克拉拉舒曼的爱情故事《春天交响曲》（Spring Symphony，1983）。
说到以作曲家爱情为主轴的电影，还有由休葛兰（Hugh Grant）与艾玛汤普森（Emma Thompson）主演，描述萧邦（Frederick Chopin）跟乔治桑（George Sand）爱情的《我爱萧邦》（Impromptu）。以及由德克波加德（Dirk Bogarde）主演的美国片《一曲相思情未了》（Song Without End，1960），将李斯特（Franz Liszt）的爱情故事搬上银幕。另一部美国片《Richard et Cosima，1986》，则讲华格纳与李斯特女儿柯西玛（Cosima）的不伦之爱。这些片子也当然大量运用作曲家作品。
有兴趣的朋友还可以进一步去找，谈「歌曲之王」舒伯特（Franz Schubert）的英国片《Blossom Time，1934》，以及谈法国歌剧作曲家比才（Georges Bizet）的
美国片《Bizet's Dream，1995》。
当然，讲古典演奏家的故事的电影，也会用上「很重的」古典音乐。最明显的例子就是，描述澳州钢琴家大卫赫夫考（David Helfgott）真实故事的电影《钢琴师》（Shine），完全以拉赫曼尼诺夫《第三号钢琴协奏曲》为音乐主轴，造成上映时这首作品的聆听热。另外，描述二次大战波兰钢琴家华迪洛史匹曼（Wladyslaw Szpilman）战后余生故事的《战地琴人》（The Pianist），也炒热了一波萧邦《夜曲》热。
同样的情况还包括，女大提琴家杜普蕾（Jacqueline Du Pre）的故事《无琴荒地有情天》（Hilary and Jackie），重现文艺复兴时期阉唱男高音时代的《绝代艳姬》（Farinelli il Castrato），以及描述古大提琴家故事的《世界的每一个早晨》（All Morning of the World），还有《伴奏者》（L'Accompagnatrice）等等。
#2
电影中的古典音乐（下）
●现代电影对古典音乐的不朽应用
显而易见，并非只有跟古典作曲家或演奏家有关的电影，才能运用古典音乐，现代电影早已大量运用古典乐当配乐，其中不乏经典的应用实例。姑且不论是导演或是配乐家的个人偏好，对影迷来说，能将影像与音乐扣紧，让人牢牢记在心里的，才能算是经典的电影配乐。
由劳勃瑞福（Robert Redford）与梅莉史翠普（Meryl Streep）领衔的《远离非洲》（Out Of Africa），片中男女主角在非洲草原野餐，留声机放出莫扎特《竖笛协奏曲》，营造出一幅只羡鸳鸯不羡仙的场景。另外，克里斯多福李维（Christopher Reeve）与珍西摩儿（Jane Seymour）主演的《似曾相识》，透过拉赫曼尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》的音乐散发出一股穿越时空、生死相随的迷离情愫，让观众回味无穷。这两例是现代电影配上古典音乐的经典模板。
莫扎特音乐出现在电影中的频率很高，像是《海底城》（The Spy Who Loved Me，1977）一片，可以听到他的《第二十一号交响曲》；《绿卡》（Green Card，1990）中可以听到《长笛与竖笛协奏曲》；《我的左脚》（My Left Foot）则运用《女人皆如此》的咏叹调；《最后魔鬼英雄》（Last Action Hero，1993）一片有《费加洛的婚礼》序曲等。
「音乐之父」巴哈以及「乐圣」贝多芬的作品，当然更常被现代电影运用，充满理性的巴哈音乐常被用在杀手出现的紧张气氛时，呈现一种大反差的戏剧效果。
例如把巴哈的《郭德堡变奏曲》用在电影《沉默的羔羊》（The Silence Of The Lambs，1991）、《英伦情人》上；把优雅的《G 弦之歌》用在惊悚警世的《火线追缉令》（Seven，1995）上；《第二号英国组曲》用在电影《罪与罚》（Crime and Punishment，1998）。另外在《悲怜上帝的女儿》（Children of a Lesser God）可以听到《d小调双小提琴协奏曲》；电影《神通情人梦》（Electric Dreams，1984）可以听到家喻户晓的《小步舞曲》。
而贝多芬音乐则会用在英雄片中，或者命运乖离的主角身上。像在《终极警探1》（Die Hard 1）里头听到《合唱交响曲》，在《此情可问天》（Howard Ends）里头听到《命运交响曲》，在《战栗游戏》（Misery）中听见抒情浪漫的《月光奏鸣曲》。
管弦色彩丰富的拉威尔《波丽露》也常被电影运用，叙述第二次世界大战，四个犹太家族遭受德军迫害与劫后余生的电影《战火浮生录》（Les Uns et les autres，1981），剧末在凯旋门的那场芭蕾舞演出，绝妙地配上《波丽露》，令影迷血脉奔张，留下不可磨灭的印象，而《十诫》（The Ten Commandmends）也把《波丽露》拿来当配乐。
●戏剧性强的乐曲最受青睐
充满戏剧张力与诡异气氛的舒伯特的《死与少女》弦乐四重奏，被用在探讨婚外情问题的法国电影《美得过火》（Too Beautiful for You）中，也被用在雪歌妮薇佛（Sigourney Weaver）跟班金斯利（Ben Kingsley）主演的「死亡处女」（Death and the Maiden）。虽然两部电影风格迥异，但是却不约而同选了相同作品。
而管弦色彩丰富的华格纳歌剧《女武神》，出现在电影《现代启示录》（Apocalypse Now）的情况也令人印象深刻；而电影《狂恋维纳斯》（Meeting Venus）则是不断运用华格纳《唐怀瑟》里头的《维纳斯堡音乐》，营造主角沉溺肉欲的感觉。
歌剧中精采的咏叹调更是电影中的常客，有的看上咏叹调的优美旋律，有的则是想透过咏叹调的歌词隐喻剧情发展，有的则纯粹希望造成观影者视觉与听觉有「分道扬镳」的休息感，就像歌剧中咏叹调一唱起，除了演唱者之外，所有的时空与角色都静止一样。
《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）一片描述受黑道控制的高级妓女，与接送她的司机之间的爱情故事，片中选用歌剧《蝴蝶夫人》，呼应凄美感伤的结局。改编自小说家亨利詹姆的英国电影《窗外有蓝天》（A Room With a View），剧情则描写一对相互爱慕的男女，因为英国传统礼教的束缚，险些错失姻缘，片中运用普契尼歌剧《强尼史基基》里头的咏叹调，转述女主角早有所属的心声。
此外，电影《麻雀变凤凰》引用了威尔第歌剧《茶花女》，《华尔街》（The Wall Street）也用了威尔第另一出歌剧《弄臣》，而电影《费城》（Philiphisa）则选用了乔大诺（Gioradano）歌剧《Andrea Chenier》第三幕的精采咏叹调，象征男主角内心的挣扎。
最后我最喜欢的间奏曲，马斯康尼（Pietro Mascagni）的歌剧《乡间骑士》间奏曲，弦乐群缜密拉奏配上浪漫合声，让音乐充满戏剧张力。此曲同时被用在劳伯迪尼洛（Robert De Niro）饰演中量级拳王的《狂牛》（Raging Bull），以及帮派电影电影《教父Ⅲ》（The Godfather 3）中，巧的是，两片同样是充满男性阳刚的电影。
●结语
自从奥斯卡1934年增加「最佳音乐奖」，颁给《一夜之缘》（One Night of Love）的同名主题曲后，电影音乐的发展有了正面积极的效应。其实看电影时，视觉与听觉的感受，必须并行不悖且相互平衡。德国电影音乐学家汉斯艾斯勒（Hanns Eisler）表示，音乐是影像的解药，因为观众目睹接近真实的影片内容时，如果听不到相对应的真实声音，感官上会有不舒服。
因此当观众专注在影片内容，交替给他们的耳朵听到，真实的声音以及感性的音乐，是观影情绪的重要调剂。
现代电影高度发展，早已建构一套可供专业电影音乐工作者运作的法则。片商与作曲家签约，让他们衣食无缺全心投入配乐工作，透过音乐让电影语汇更多元更成熟。显然，在未来的电影里，音乐扮演的角色只会越来越吃重，而我们也将有更多机会听到古典音乐巧妙地「粘上」剧情。
电影被称做第八艺术，也是综合性艺术，当然包括音乐的表现方式。要谈电影中的古典音乐，就要先了解在电影专业上，音乐应用可以粗分成哪些型态，也就是了解电影音乐的分类。
●电影音乐的分类
若不想牵涉太多电影专业术语，但又想精确了解电影音乐的类型，就必须从两个向度来看电影音乐：一个从配乐创作者的角度来看，另一个从配乐搭配剧情的角度来看。
从配乐创作的角度来看，电影音乐可以分成原著音乐及非原著音乐两大类。
原著音乐，是作曲家专门为电影谱写的乐曲。像是谭盾为《卧虎藏龙》（Crouching Tiger Hidden Dragon）写的那段飞檐走壁鼓乐，或者是丹尼艾夫曼（Danny Elfman）为《蜘蛛人2》（Spider Man 2）所写的主题音乐。
而非原著音乐，则是将既有的现成作品配在电影上。像是电影《疯狂乔治王》（The Madness Of King George）运用韩德尔（George Frideric Handel）的《水上音乐》（Water Music），或者是维斯康提（Luchino Visconti）的《魂断威尼斯》（Death in Venice）运用马勒（Gustav Mahler）《第五号交响曲》的慢板乐章。
若换个角度，从配乐搭配剧情方面来看，电影音乐则可分「Source Music」以及「Score Music」两大类。
「Source Music」用在剧情中出现真正声音来源，必须取信于观众时，因此主要是写实之用。例如《英伦情人》（The English Patient，1996）女主角在断腿的钢琴上弹奏，就必须真的找首钢琴曲来配。或者是《第五元素》（The Fifth Element）的章鱼外星女高音演唱时，就需要一首咏叹调。
而「Score Music」则是指剧情中我们无法找到声音来源，但却为了烘托或强化剧情效果而存在，因此多是写意之用。例如《似曾相识》（Somewhere in Time）中，作曲家约翰贝瑞（John Barry）专为男女主角生离死别所写的缠绵配乐，或是《麻雀变凤凰》（Pretty Woman，1990）里，那首大家朗朗上口的流行歌曲《Pretty Woman》。
在电影配乐发展初期，好莱坞制作公司甚至要求，导演一定要在「Score Music」出来时，透过剧情交待清楚音乐来源，也就是说尽量让它变成「Source Music」，免得观众一头雾水，找不到什么东西在发出音乐。
这个电影语汇发展初期的怪象，对现在的电影观众来说，可能觉得不可思议。因为当我们眼睛看着《第六感生死恋》（Ghost）屏幕上，女主角黛咪摩尔（Demi Moore）跟男主角派崔克史威兹（Patrick Swayze）两人相拥拉着陶土，耳朵却听着正义兄弟（The Righteous Brothers）演唱的《Unchained Melody》旋律时，丝毫见怪不怪，不会误以为陶土会唱歌，能够完全掌握导演想要传达的情绪效果。
附表：电影音乐四大类实例
第一类原著音乐& Source Music：珍康萍（Jane Campion）执导的《钢琴师和她的情人》（The Piano），女主角所弹的曲子，是麦可尼曼（Michael Nyman）专为该片而写。
第二类原著音乐& Score Music：恐怖大师希区考克（Alfred Hitchcock）执导的《惊魂记》（Psycho），柏纳赫曼（Bernard Herrman）专为该片凶案发生时，写了充满惊悚张力的弦乐段落。
第三类非原著音乐& Source Music：史考特希克斯（Scott Hicks）执导的《钢琴师》（Shine），男主角弹奏的钢琴协奏曲，并非拉赫曼尼赫夫专为该片所写。
第四类非原著音乐& Score Music：库柏利克（Stanley Kubrick）执导的《2001年太空漫游》（2001 A Space Odyssey），航天员在宇宙飞船上配史特劳斯的《蓝色多瑙河》的音乐。
（注）Source Music指影片中有确实声音来源（写实），Score Music指影片中无此声音来源（写意）
●电影与古典的缠绵故事
从电影音乐的发展来看，电影与古典音乐的关系其实相当紧密，无论从电影史来谈或是从电影内容来谈，都有十分缠绵的关系。
卢米埃兄弟（The Lumiere Family）1895年12月28日，在巴黎放映了影史上的第一部商业片，当时还请了钢琴家在现场演奏通俗小品，为当时「沉默的电影」配上一点气氛，也让电影与音乐首度「发生关系」。不过，写下电影音乐第一页的人，应算是电影之父葛里斯（D.W. Griffth）。他在《国家的诞生》（Birth of Nation，1915）一片中，首次与音乐家布瑞尔（Joseph Carl Briel）创作出美国民谣的配乐型态，音乐开始成为电影的重要构成元素。
其实，初期对电影音乐较具贡献的人是古典音乐家。因为从有声电影问世到三○年代中，电影音乐是以纯音乐的型态来构思创作，因此电影音乐有浓浓的古典味。例如法国作曲家圣桑（Charles Camille Saint-Saens），便曾在1908年为电影《谋杀居伊兹公爵》（L'Assassint du Duc de Guise）配上作品128号，有机的把音乐与画面整合，深获好评。
这些训练有素的古典音乐家，大多数抱着玩票性质从事配乐工作，但也玩出不错的成绩。像是俄国的艾森斯坦（Sergei Eisenstein）与普罗高菲夫（Sergei Sergeyevich Prokofiev）两人合作的《恐怖伊凡》（Ivan the Terrible，1945），就十分成功，使得普罗高菲夫成为俄国电影音乐的核心人物。在当时，把柴可夫斯基（Peter Ilyitch Tchaikovsky）、贝多芬（Ludwig Van Beethoven）、普契尼（Giacomo Puccini）等人现成的古典乐曲运用在电影，非常普遍。
如果我们从电影内容来看，拿古典音乐当成作曲家传记电影的配乐，无论对剧情发展或时空背景都更具说服力。较出名的例子就是描写莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）故事的《阿玛迪斯》（Amadeus），以及讲贝多芬爱情故事的《永恒的恋人》（Immortal Beloved），两片分别大量采用两位大作曲家的作品。
我个人看过音乐与剧情「高度整合」的片子，则是英国导演肯罗素（Ken Russell）执导的《马勒传》（Mahler）。片中除了极少数的运用华格纳（Richard Wagner）音乐外，完全采用马勒的作品配乐，让观众了解马勒人格特质之余，也对他的音乐留下极大的印象。肯罗素爱拍传记电影，也很懂用作曲家的音乐来配电影，他另外知名的传记电影是《乐圣柴可夫斯基》（The Music Lovers，1971）。
影史上还有许多知名的作曲家电影，像是美国片《新翠堤春晓》（The Great Waltz），是「圆舞曲之王」小约翰史特劳斯（Johann Strauss Jr.）的传记，片中大量运用《蓝色多瑙河》、《春之声》等圆舞曲。
●作曲家在电影中谈情说爱
早期由凯萨琳赫本（Katharine Hepburn）饰演克拉拉舒曼（Clara Schumann）的美国片《爱之歌，1947》（Song of Love，1947），则讲她与布拉姆斯的感情。九十年代德国更进一步拍摄舒曼（Robert Schumann）与克拉拉舒曼的爱情故事《春天交响曲》（Spring Symphony，1983）。
说到以作曲家爱情为主轴的电影，还有由休葛兰（Hugh Grant）与艾玛汤普森（Emma Thompson）主演，描述萧邦（Frederick Chopin）跟乔治桑（George Sand）爱情的《我爱萧邦》（Impromptu）。以及由德克波加德（Dirk Bogarde）主演的美国片《一曲相思情未了》（Song Without End，1960），将李斯特（Franz Liszt）的爱情故事搬上银幕。另一部美国片《Richard et Cosima，1986》，则讲华格纳与李斯特女儿柯西玛（Cosima）的不伦之爱。这些片子也当然大量运用作曲家作品。
有兴趣的朋友还可以进一步去找，谈「歌曲之王」舒伯特（Franz Schubert）的英国片《Blossom Time，1934》，以及谈法国歌剧作曲家比才（Georges Bizet）的
美国片《Bizet's Dream，1995》。
当然，讲古典演奏家的故事的电影，也会用上「很重的」古典音乐。最明显的例子就是，描述澳州钢琴家大卫赫夫考（David Helfgott）真实故事的电影《钢琴师》（Shine），完全以拉赫曼尼诺夫《第三号钢琴协奏曲》为音乐主轴，造成上映时这首作品的聆听热。另外，描述二次大战波兰钢琴家华迪洛史匹曼（Wladyslaw Szpilman）战后余生故事的《战地琴人》（The Pianist），也炒热了一波萧邦《夜曲》热。
同样的情况还包括，女大提琴家杜普蕾（Jacqueline Du Pre）的故事《无琴荒地有情天》（Hilary and Jackie），重现文艺复兴时期阉唱男高音时代的《绝代艳姬》（Farinelli il Castrato），以及描述古大提琴家故事的《世界的每一个早晨》（All Morning of the World），还有《伴奏者》（L'Accompagnatrice）等等。
#2
电影中的古典音乐（下）
●现代电影对古典音乐的不朽应用
显而易见，并非只有跟古典作曲家或演奏家有关的电影，才能运用古典音乐，现代电影早已大量运用古典乐当配乐，其中不乏经典的应用实例。姑且不论是导演或是配乐家的个人偏好，对影迷来说，能将影像与音乐扣紧，让人牢牢记在心里的，才能算是经典的电影配乐。
由劳勃瑞福（Robert Redford）与梅莉史翠普（Meryl Streep）领衔的《远离非洲》（Out Of Africa），片中男女主角在非洲草原野餐，留声机放出莫扎特《竖笛协奏曲》，营造出一幅只羡鸳鸯不羡仙的场景。另外，克里斯多福李维（Christopher Reeve）与珍西摩儿（Jane Seymour）主演的《似曾相识》，透过拉赫曼尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》的音乐散发出一股穿越时空、生死相随的迷离情愫，让观众回味无穷。这两例是现代电影配上古典音乐的经典模板。
莫扎特音乐出现在电影中的频率很高，像是《海底城》（The Spy Who Loved Me，1977）一片，可以听到他的《第二十一号交响曲》；《绿卡》（Green Card，1990）中可以听到《长笛与竖笛协奏曲》；《我的左脚》（My Left Foot）则运用《女人皆如此》的咏叹调；《最后魔鬼英雄》（Last Action Hero，1993）一片有《费加洛的婚礼》序曲等。
「音乐之父」巴哈以及「乐圣」贝多芬的作品，当然更常被现代电影运用，充满理性的巴哈音乐常被用在杀手出现的紧张气氛时，呈现一种大反差的戏剧效果。
例如把巴哈的《郭德堡变奏曲》用在电影《沉默的羔羊》（The Silence Of The Lambs，1991）、《英伦情人》上；把优雅的《G 弦之歌》用在惊悚警世的《火线追缉令》（Seven，1995）上；《第二号英国组曲》用在电影《罪与罚》（Crime and Punishment，1998）。另外在《悲怜上帝的女儿》（Children of a Lesser God）可以听到《d小调双小提琴协奏曲》；电影《神通情人梦》（Electric Dreams，1984）可以听到家喻户晓的《小步舞曲》。
而贝多芬音乐则会用在英雄片中，或者命运乖离的主角身上。像在《终极警探1》（Die Hard 1）里头听到《合唱交响曲》，在《此情可问天》（Howard Ends）里头听到《命运交响曲》，在《战栗游戏》（Misery）中听见抒情浪漫的《月光奏鸣曲》。
管弦色彩丰富的拉威尔《波丽露》也常被电影运用，叙述第二次世界大战，四个犹太家族遭受德军迫害与劫后余生的电影《战火浮生录》（Les Uns et les autres，1981），剧末在凯旋门的那场芭蕾舞演出，绝妙地配上《波丽露》，令影迷血脉奔张，留下不可磨灭的印象，而《十诫》（The Ten Commandmends）也把《波丽露》拿来当配乐。
●戏剧性强的乐曲最受青睐
充满戏剧张力与诡异气氛的舒伯特的《死与少女》弦乐四重奏，被用在探讨婚外情问题的法国电影《美得过火》（Too Beautiful for You）中，也被用在雪歌妮薇佛（Sigourney Weaver）跟班金斯利（Ben Kingsley）主演的「死亡处女」（Death and the Maiden）。虽然两部电影风格迥异，但是却不约而同选了相同作品。
而管弦色彩丰富的华格纳歌剧《女武神》，出现在电影《现代启示录》（Apocalypse Now）的情况也令人印象深刻；而电影《狂恋维纳斯》（Meeting Venus）则是不断运用华格纳《唐怀瑟》里头的《维纳斯堡音乐》，营造主角沉溺肉欲的感觉。
歌剧中精采的咏叹调更是电影中的常客，有的看上咏叹调的优美旋律，有的则是想透过咏叹调的歌词隐喻剧情发展，有的则纯粹希望造成观影者视觉与听觉有「分道扬镳」的休息感，就像歌剧中咏叹调一唱起，除了演唱者之外，所有的时空与角色都静止一样。
《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）一片描述受黑道控制的高级妓女，与接送她的司机之间的爱情故事，片中选用歌剧《蝴蝶夫人》，呼应凄美感伤的结局。改编自小说家亨利詹姆的英国电影《窗外有蓝天》（A Room With a View），剧情则描写一对相互爱慕的男女，因为英国传统礼教的束缚，险些错失姻缘，片中运用普契尼歌剧《强尼史基基》里头的咏叹调，转述女主角早有所属的心声。
此外，电影《麻雀变凤凰》引用了威尔第歌剧《茶花女》，《华尔街》（The Wall Street）也用了威尔第另一出歌剧《弄臣》，而电影《费城》（Philiphisa）则选用了乔大诺（Gioradano）歌剧《Andrea Chenier》第三幕的精采咏叹调，象征男主角内心的挣扎。
最后我最喜欢的间奏曲，马斯康尼（Pietro Mascagni）的歌剧《乡间骑士》间奏曲，弦乐群缜密拉奏配上浪漫合声，让音乐充满戏剧张力。此曲同时被用在劳伯迪尼洛（Robert De Niro）饰演中量级拳王的《狂牛》（Raging Bull），以及帮派电影电影《教父Ⅲ》（The Godfather 3）中，巧的是，两片同样是充满男性阳刚的电影。
●结语
自从奥斯卡1934年增加「最佳音乐奖」，颁给《一夜之缘》（One Night of Love）的同名主题曲后，电影音乐的发展有了正面积极的效应。其实看电影时，视觉与听觉的感受，必须并行不悖且相互平衡。德国电影音乐学家汉斯艾斯勒（Hanns Eisler）表示，音乐是影像的解药，因为观众目睹接近真实的影片内容时，如果听不到相对应的真实声音，感官上会有不舒服。
因此当观众专注在影片内容，交替给他们的耳朵听到，真实的声音以及感性的音乐，是观影情绪的重要调剂。
现代电影高度发展，早已建构一套可供专业电影音乐工作者运作的法则。片商与作曲家签约，让他们衣食无缺全心投入配乐工作，透过音乐让电影语汇更多元更成熟。显然，在未来的电影里，音乐扮演的角色只会越来越吃重，而我们也将有更多机会听到古典音乐巧妙地「粘上」剧情。
