他认为：“艺术要像镜子一样的描绘客观事物。”
这一观点也是有名的“镜子理论”
斯坦因画像
“花了个擦，好几个世纪都过去了怎么人类的画工还是这么拙劣啊……这还是他们所认为的最好的画家?跟劳资闹呢吧!”
当然了，毕姥爷的真身应该是这样的啦……
亚威农少女
估计达芬奇老爷子看见了能直接抽过去……
这当然是不能怪达芬奇的思想封闭，或者说他没有意识到艺术主体的能动性了。毕竟他所处的文艺复兴时期，在当时也绝逼是个fashion的运动。
首先，那时候没有照相机这玩意儿……透视法还是个时尚的东西……画家对画作的追求就是--真！真！真！
要知道在达老爷子之前的一个时代，绘画风格是这个样子的……
善良的牧羊人
这是神马啊!?羊的身上是长了神马啊!?盔甲嘛?后面背景那是神马啊!?饭盒嘛?
随后，出现了一个叫做乔托的画家，才刚刚创造出一种能够把画的颜色保持最好，而且将画面空间感发挥到最好的方法。
哀悼基督
坐落有致的人物，用石块与树枝连接成的空间，远处灰蒙蒙的山做背景，上方飞舞的小天使是亮点也是做前景的衬托。
乔托费尽了当时所有能够用到的元素，就为了一个字--真！
透视法在脏兮兮的马萨乔那儿有了新的进展。
人体描绘更加立体。找寻到了自带的明暗空间。
过了不久，文艺复兴的高潮到来~
达老爷子在前人们的不断探索之下，终于绘出了最接近完美的--真！
在后来，不只是画面上的“真”，各个时期的画家们在不同的绘画方向上进行了探索，但是他们都没有脱离摹仿论这一思想，依然追求“真”，也就是画的像。
岩间圣母
时光跳转到1926年，一个魔鬼诞生了，有人预言绘画被它杀死了，这个魔鬼就是--照相术。
说1926，其实在1826年，世界上的第一张相片就已经出现了。
就是这个——《窗外》
虽说不太清晰，但是科技这东西，发展的是真快啊。马上就到达了这种程度
两种人生
这张摄影作品是当时照相术刚刚风靡之时的潮流摄影方式--画意摄影，从各个方面看，怎么都是觉得很像《雅典学院》嘛。
好吧，既然有了拍照技术，一秒钟就能搞定光影、空间、形体等等问题。那么还要绘画作甚呢……摔!不画了!
毕姥爷就是在这么一种社会意识背景下，一步一步将自己的艺术表达方式，推向成熟，推向永恒。
绘画带给世界的，绝不应该仅仅是镜子一样的反映。
毕加索《梦》
教科书上将毕加索的风格成为立体主义，属于形式主义的领域，也就是用形式表现情感。
这一点上达芬奇那一时代的人是万万理解不能的。
那么问题来了，艺术是否具有永恒的价值?
比如说我们现在的艺术世界，古典主义的作品已经不会再复兴了，是不是古典主义绘画没有价值了呢?
事实上这类的观点在学校就时常听到。比方说许多画者十分看不上精勾细描出来的绘画，十分看不上画画量比例的人，十分看不上古典主义的用色等等……
尊重古人的探索就是尊重自己脚下的路。谁不是踩着前代人的肩膀爬上高山的呢?
例如，乔托的画在我们现在的认识水平来看画法很拙劣，但是在当时他的绘画理念以及技法都是最好的。后人一次一次的超越他，一浪一浪的后人才使得绘画历史上留下这么多成就斐然的绘画作品。
古人就是我们现今人类的铺路者。对后世有所影响的艺术品，都具有她永恒的价值。
