摄影的核心是什么？是主题而不是主体。 初学者常常混淆了这两者的重大区别。 同样一个主体 --- 一份风景，一个人，一只抽水马桶，一个垃圾场，你可以把它拍的很美或很丑，很阳光或很阴暗，很快乐或很悲伤，很平常或很精彩。关键是你自己观看这个世界的角度，和你主管想要表达的情绪。
。 在美丽的地方拍到美丽的风景，考验的主要是你的耐心和运气。
。 在平常的事物中看到不平常的精彩，方能显出你的艺术眼光和技术技巧。
“To me, photography is an art of observation. It's about finding something interesting in an ordinary place... I've found it has little to do with the things you see and everything to do with the way you see them.”
- Elliott Erwitt
It takes a lot of imagination to be a good photographer. You need less imagination to be a painter because you can invent things. But in photography... everything is so ordinary; it takes a lot of looking before you learn to see the ordinary.
- David Bailey
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一幅成功的照片，要有成功的四个C: 主题(Concept)，构图(Composition)，色彩和对比 (Color & Contrast)，和技术控制 (Camera Control).
Concept: 主题和创意是照片的灵魂，是拿起相机之前甚至看到景物之前我们心中已经有的画面，想法和感情。为什么训练有素的摄影师和平常人看世界的方式不同？因为摄影师不是被动地去看世界，而是积极主动地去在真实世界中寻找心目中理想。
Composition: 构图（包括景深控制）是照片内容最重要的表现形式，必须在按下快门前就尽可能精确地控制好。后期很难对之再做调整 --- 裁减过多对画质影响太大；在画面上加减元素则已经脱离传统意义上摄影的范围。
Color & Contrast： 色彩和反差直接影响情绪的表达。控制好它们最关键的因素，是等待，选择和控制（如人工布光）适合于主题的光线和天气条件。除此之外，在胶片机上，通过选择合适的胶片以及曝光来叙述色彩，利用传统暗房来调整全局或局部反差以实现心目中艺术创意，同样是创作的重要组成部分。和胶片不同，数码相机传感器所能记录的只不过是灰度信号，我们只能通过数字后期来把这些原始数据翻译和描述出心目中所需要的色彩和反差。数码革命使得后期处理不光变得非常便利，同时也成为一种必须。由此而言，一个只依赖机身算法直出JPG文件，高呼“此片绝对没有PS”并以此为自豪的摄影者，就如同一个只用波拉片的胶片摄影者。这样的心态所反映的并不一定是他们水平高，而是创作不认真不到位。很难想象亚当斯和韦斯顿会以不用暗房处理为荣。
Camera Control： 熟练使用相机，对焦精确，曝光合适，画面清晰无抖动等，是摄影最起码的要求。对摄影师来说这些应该成为本能。
联想到此起彼伏的数码胶片大战，我们可以问一下，难道数码真的降低了摄影的门槛吗？我看未必。
数码相机不会帮你建立Concept，不会帮助你的Composition。的确，现在相机能帮你对焦测光，可是胶片机同样可以。数码在Color & Contrast方面不能帮你选择漂亮的光线。它唯一能做的事给你提供很大的后期可能。可是任何一个玩过胶片的人都知道，胶片出来漂亮的色彩很容易，因为那基本是胶片厂家和冲洗店的事情。数码后期要调好色彩，看似简单其实相当困难。
数码降低的，其实是网上交流的门槛，和按快门的时候人们对成本的心理负担。
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我一直宣扬的观点，则是风光摄影永远要一个主体。只不过这个主体可以是具体的一个物体，
也可以是抽象的一个结构。
重复，韵律，曲线，节奏，都是一种抽象结构，都可以成为主体。
换句话说，画面简约的意思是说我们要尽量精简构图元素，避免画面过乱。可是从另一方面来说，
画面上的元素多了未必就一定乱，只要他们之间形成一种有序结构就没问题。
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风景和街景摄影是减法，是考验你是否会在时空里“断章取义”，是否有能从无序中发现有序的眼力。
影棚人像和静物是加法。是考验你能否具备“无中生有”的创造力。
两者思路很不一样，能同时做好的人不太多。
